Los mejores libros de arte para regalar

El mundo interior de Txomin Badiola

Este libro es todo un ejercicio de estilo. El título, Malformalismo , corresponde directamente a la fórmula que Txomin Badiola (Bilbao, 1957) utilizó ya en 2002, en una exposición de síntesis de su trayectoria, que tuvo como título Malas formas . ¿Por qué «malas» formas? Badiola considera el trabajo con las formas como núcleo del arte, pero con una matización importante: en lugar de aceptar las formas ya dadas, social y políticamente aceptadas, él considera que los artistas deben situar su producción de formas en una línea de transgresión .

Como podemos leer en el libro: «Con independencia de que como ciudadano esté sujeto a las normas que rigen la convivencia, su actividad como artista no puede considerar la norma social si no es para transgredirla , y lo hace desde el lugar que le es propio, el lenguaje de las formas artísticas» (pág. 303). Ahí se sitúa su práctica, una de las de mayor interés en el arte actual, utilizando de forma híbrida materiales y soportes que se confrontan siempre con las imágenes hipermediáticas de la vida cotidiana.

Estamos ahora ante un texto narrativo, escrito en español y con abundantes interpolaciones en inglés -y algunas en francés-, en lo que podemos considerar resonancias del carácter abierto de su trayectoria, su ir de un lado a otro. Su estructura consta de tres secciones, que trazan desde dentro un recorrido a través de flujos de memoria por su biografía y por su actividad , tanto artística como pública.

Aunque de la editorial le habían pedido un ensayo sobre el formalismo artístico, Txomin Badiola se puso a escribir en otra dirección, buscando «mentir en forma de verdad» (pág. 75). En definitiva, la escritura narrativa, creativa, del mundo interior del artista vasco, centrado en la transgresión de lo ya dado. No se lo pierdan. Por José Jiménez.

Malformalismo . Txomin Badiola. Caniche Editorial, 2019. 312 páginas. 18 euros.

Mujer tenías que ser

Es un acto de justicia , vaya eso por delante, aunque también una oportunidad no perdida por parte de una gran editorial para subirse al carro de lo que esperemos no sea una moda pasajera . Como la del cambio climático. De hecho, hay quien señala que Greta Thunberg no recibiría muchas de las críticas que recibe (o de la forma en que las recibe) si fuera niño (aunque también constata una cosa: que se puede ser niña y un auténtico coñazo).

El caso es que Grandes mujeres artistas , el volumen que suscita estas líneas, en un alarde de diseño, tacha la palabra «mujeres» en el título de la portada. Sin embargo, y hasta que la Historia del Arte (y la de la medicina o la del diseño de cucharas) no se haga sin cuotas, sin olvidos, sin discriminaciones por razón de sexo (o raza, u origen), serán necesarios manuales como este.

Hasta 400 nombres de los últimos quinientos años (y hasta este dato inquieta: ¿sólo empezó a haber mujeres artistas hace 500 años?) de autoras más o menos previsibles, más o menos sorpresivas de una lista que contuvo hasta 2.000 (¿se avecinan nuevas entregas de la publicación?), en la que las «reconocidas» son presentadas por orden alfabético, lo que solapa técnicas, épocas, orígenes... Por una vez, los españoles no salimos tan mal parados, y el libro reconoce la labor de autoras como Cristina Iglesias , como María Blanchard , como Luisa Roldán ... Para que vean lo variopinto de su factura.

Aquí hay autoras que fueron súper estrellas en su época y luego cayeron en el olvido ( Artemisia Gentileschi es el ejemplo más evidente); mujeres que se vieron eclipsadas por sus compañeros, sentimentales o no ( Camille Claudel , Dora Maar ...); mujeres a las que la fama les llegó tarde ( Carmen Herrera , Louise Bourgeois ...)... Nombres para todos los gustos.

Y por el mismo precio, más textos sobre mujeres, sobre mujeres del contexto más cercano... Escritos por un hombre: El libro de las artistas , de Carlos Jiménez (Col. Infraleves). Feliz empacho. Por Javier Díaz-Guardiola.

Grandes mujeres artistas. Rebecca Morrill (introd). Phaidon, 2019. 464 páginas. 49,95 euros.

Quien esté libre de pecado que tire la primera piedra

«Quien esté libre de pecado que tire la primera piedra». Si tuviéramos que aplicar esta evangélica aseveración al mundo del arte, seguramente nos encontraríamos con bastantes dificultades para hallar un número razonable de virtuosos lanzadores… En efecto, a lo largo de la Historia, pecados y artistas han solido caminar juntos por una senda tal vez no demasiado virtuosa, pero, desde luego, siempre sugerente y, sobre todo, muy productiva…

En su libro Dios salve el arte contemporáneo , Óscar García , comisario de exposiciones y responsable de la Plataforma PAC , nos invita e incita a la par a emprender una curiosa y peculiar travesía por los procelosos mares de los siete pecados capitales a través de las pecaminosas andanzas de algunos de los artistas más significados dentro del panorama del arte actual.

Así, nombres como los de Damien Hirst, Jeff Koons, Fernando Botero, Marina Abramovic, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Keith Haring o Banksy , entre muchos otros, son analizados desde esa perspectiva, según que desbarren más hacia la avaricia, la lujuria, la pereza o la envidia (quizás el pecado por excelencia dentro del circo artístico), por citar algunas de estas humanas debilidades.

En el fondo, se trata de acercar el mundo del arte contemporáneo a un público -tal vez no demasiado especializado- al que este ámbito se le suele aparecer en muchas ocasiones como una suerte de enigma insondable .

Y de hacerlo además de una forma amena y nada académica, a partir de una perspectiva original, no exenta de humor e ironía, que le sirve a su autor para plantear algunas preguntas fundamentales, entre otras: ¿Qué es el arte contemporáneo? ¿Y el arte conceptual? O, ¿cuáles son las nuevas técnicas artísticas? Cuestiones que convierten esta provincia del conocimiento y de la cultura artística en un misterio -aparentemente- sin terminar de resolver y comprender del todo.

¿Quién se anima a tirar la primera piedra? Por Francisco Carpio

Dios salve el arte contemporáneo . Óscar García Paidós, 2019. 224 páginas. 16,95 euros.

Francis Bacon y sus demonios

Hace 27 años moría en Madrid (ciudad donde estaban sus grandes amores, el real y los pictóricos) el pintor británico Francis Bacon , dandi de día, canalla de noche. Su figura y su trabajo siguen fascinándonos. El Pompidou parisino analiza en una exposición las influencias literarias en su obra, mientras el escritor Jonathan Littell (Nueva York, 1967), premio Goncourt 2006 por Las benévolas , trata de desentrañar el misterio de sus cuadros (tarea utópica) en un ensayo, que, al igual que muchos de sus lienzos, se presenta en forma de tríptico.

Littell sigue los pasos de Bacon en su adorado Museo del Prado , acompañado por su mismo cicerone, Manuela Mena . El artista solo iba para ver los Velázquez y los Goya. Anhelaba pintar como Velázquez, pero con la textura de la piel de un hipopótamo. No hay mejor definición de su pintura. Littell, que ha escrito sobre guerras (Chechenia, Siria) y ha realizado un documental sobre los niños soldado, hace gala en el libro de vastos conocimientos de arte. Baja a los infiernos baconianos , se enfrenta a sus criaturas deformadas, retorcidas, torturadas, tratando de comprenderlas y comprender con ello al hermético Bacon. El mejor pintor de la carne después de Rembrandt trataba de exorcizar sus demonios a través de la pintura. En los trípticos que Bacon pinta furiosa y frenéticamente Littell descubre sus flaquezas y deseos, sus pulsiones, su rabia, su sentimiento de culpa por el suicidio de George Dyer, uno de sus amantes. «Con Bacon -dice el autor-, la mirada jamás es inocente». Cierto. Un ameno y lúcido ensayo en el que Littell «redime» al pintor ateo de Papas y crucifixiones. Por Natividad Pulido.

Tríptico. Tres estudios sobre Francis Bacon. Jonathan Littell Galaxia Gutenberg, 2019. 135 páginas. 25 euros.

Las imágenes que nos tocan

Pocos libros tienen la cualidad de ser leves e intensos, múltiples y reconcentrados, fragmentados y dotados de un latido continuo, un bajo obstinado, que los hace únicos. Vislumbres es, al tiempo, un «cuaderno de bitácora» y la fábrica desvelada de lecturas, los materiales que han servido para componer otros textos. Georges Didi-Huberman es uno de los historiadores del arte con mayor penetración interpretativa, entregado desde hace años a una revisión de los presupuestos de la Historia del Arte; en Ante la imagen , o en tantos libros en los que ha insistido en la necesidad de volver a afrontar una suerte de «sintomatología» de las imágenes, en un radical diálogo con Aby Warburg , pero también con Benjamin o Bataille , buscando esa «única vez» de la que hablara Paul Celan en El meridiano .

En estos hermosos vislumbres que Didi-Huberman declina en «femenino» encontramos conocidas «querencias», de Pasolini a Panofsky , de Baudelaire a Bloch , de las imágenes que piensan a las meditaciones, en la estela de Adorno , sobre una vida dañada. Nos recuerda que «radicalizar es intensificar el pensamiento para agudizar nuestra mirada sobre las cosas». Y, en verdad, en estas páginas no dejan de ofrecer perspectivas lúcidas, en un retorno, valga el juego con otros textos de este pensador, tanto de las luciérnagas cuanto de la imagen-mariposa.

Estas gozosas páginas no excluyen la confesión personal, el recuerdo obsesivo de las pérdidas, en un duelo que puede conectar con aquella búsqueda que emprendiera Barthes de la fotografía de su madre, sabiendo que todo objeto está siempre perdido. El método de este libro -se advierte en la última página- es la caricia. Desde la certeza de que no se escribe nada que no esté en movimiento, nos invita a tocar y ser tocados por las imágenes que piensan. Por Fernando Castro Flórez.

Vislumbres . Georges Didi-Huberman. Trad: Mariel Manrique y Hernán Marturet. Ed. Shangrila, 2019. 324 páginas. 26 euros.

Vasari, volver a las fuentes

Para muchos temas de la Historia del Arte y para muchos asuntos del propio arte, lo que se traían entre las manos los florentinos del siglo XVI son aún problemas de actualidad, «los problemas» por antonomasia. Por eso resulta tan liberador remontarse a las fuentes, volver una y otra vez a Vasari, por ejemplo, quien configuró la primitiva metodología historiográfica, con sus deslumbrantes intuiciones y sus no pocos desatinos. Giorgio Vasari (1510-1574), pasa por el ser el padre de los historiadores del Arte , en un glorioso momento en que pudo hablar directamente con los maestros del Renacimiento y el Manierismo, o al menos con su círculo más íntimo.

Su obra teórica fundamental, Las vidas de lo más excelentes arquitectos, pintores italianos, desde Cimabue a nuestros tiempos apareció en 1550, sacando el autor dieciocho años más tarde una segunda edición donde la lista de nombres se ampliaba a sus contemporáneos -incluyéndose él mismo-, y en la cual, ganando en perspectiva y ambición enciclopédica, perdía bastante de su primera frescura. Por este motivo, la antología (32 de 133) de esas fascinantes biografías que ha organizado ahora Ana Ávila no ha dudado en tomar como referencia el primer original.

Original del cual Cátedra ya sacara en 2002 la edición íntegra, que aquí se ve expurgada del prefacio, los textos dedicados a las técnicas artísticas y los tres proemios (una pena esto último, pues se trata sin duda de una parte especialmente sustanciosa), la bibliografía y la cronología. El resultado es un libro más ágil, volcado a lectores menos especializados , que se encontrarán apoyados por un ameno aparato visual donde se reproducen muchas de las obras comentadas, junto a pequeños apéndices a cada uno de los capítulos, que completan, actualizan y aclaran lo escrito por Vasari. Por Óscar Alonso Molina.

Las vidas de lo más excelentes arquitectos, pintores italianos, desde Cimabue a nuestros tiempos . Giorgio Vasari. Cátedra. 372 páginas. 25 euros.

Divertirse a la intemperie

Enfrentarse con humor a algo tan serio como la cultura implica una posición de riesgo. La situación del sistema artístico, precario y transformado en un apéndice de las industrias culturales, parece exigir una escritura dramática, cuando no directamente trágica. En su último libro, Fernando Castro Flórez rechaza las habituales retóricas agónicas y busca refugio en la ironía; desde esa posición se pregunta qué significado tiene una cultura que ha pasado de ser patrimonio común a convertirse en mercancía global.

La primera parte del libro recoge columnas publicadas por Castro Flórez en medios (como ABC): textos breves donde el humor sirve para cuestionar imposturas que el mundo del arte no solo ha normalizado, sino que ha convertido en valores propios . En la segunda sección, el autor se sitúa en el seno de aquellas tecnologías creadas para hacernos mejores consumidores: a golpe de tuit, nos brinda «píldoras filosóficas» que, tras su forma delirante y pedantesca, conforman una mordaz crítica a la estandarización del pensamiento y a los imaginarios productivistas del sistema universitario.

Este reírse de todo, incluso de uno mismo, no conlleva un posicionamiento frívolo ni «buenrollista». Se trata de una estrategia para interpelar con sarcasmo aspectos concretos del pantano artístico actual : terminologías de moda, el bienalismo, la centralidad de ARCO, los comisarios del oportunismo, la reivindicación de todo lo emergente o las injerencias políticas en la administración pública. Pero, sobre todo, el autor nos pone en guardia frente a voces que cuestionan la necesidad del discurso crítico. Estamos ante un libro brillante, incómodo y divertido, que reivindica el impagable ejercicio de «pensar a la intemperie». Por Carlos Delgado Mayordomo.

Filosofía tuitera y estética columnista . Fernando Castro Flórez. Newcastle Ediciones, 2019, 194 páginas. 10 euros.

Una apuesta por los fotolibros (y por Barcelona)

La imagen toma el poder y su foco de atención suscita el interés de los medios. Cataluña y Barcelona protagonizan el momento . Así, han salido a la luz distintos títulos en formato fotolibro que versan sobre su idiosincrasia. Tres interesantes propuestas, con aires bien distintos, que pueden hacer del regalar un libro una herramienta con múltiples usos, cual navaja suiza.

Oriol Miñarro con Welcome to the barrio nos desentraña la vida, dolores y casi olores de la zona centro de la Ciudad Condal. Habitantes y recónditas esquinas toman protagonismo en escenas que pasan de lo pintoresco a lo trágico, de la anécdota a la universalidad de las grandes urbes. Todas las problemáticas sociales del desarrollo económico se dan la mano en sus páginas, creando un colorido repertorio que Miñarro presenta sin cortapisas, en carne viva. Una edición de tamaño reducido producida por Fracaso Books que no deja indiferente.

Por su parte, una imagen sutil es la que nos presenta Eugeni Gay con À la ville de … La Barcelona olímpica se pone bajo la lupa en una deliciosa edición de la Kursala. Un viaje por las ruinas de lo que fue, con tratamiento paisajista, y por lo que ha mutado la cita del 92 desde el desencanto de quien lo vivió como la vorágine infantil que nos vendieron a muchos. La degradación y los nuevos usos inesperados que da la población a los ámbitos creados para un fin ya olvidado conviven con las imágenes irónicamente bellas que crea el autor.

Muy a tener en cuenta, resiguiendo las forma de Barcelona, es la obra de Salvi Danés A les 8 al bar Eusebi (Socarrel Edicions). La trama y ritmo que adquieren sus imágenes nos trasladan a la novela negra, que toma colores decadentes para transformar al lector en detective visual de un momento pasado tan cercano como distinto. Por Isabel Lázaro.

Welcome to the barrio . Oriol Miñarro. Fracaso Books, 2019. 104 páginas. 25 euros.

La placa de la comisaria

Desde que las Guerrilla Girls se preguntasen en 1989 si era necesario que las mujeres estuviesen desnudas para poder aparecer expuestas en las salas del Metropolitan , los viejos museos han cambiado parcialmente su política de visibilidad femenina . Ahora, en sus principales salas, se exponen obras de excelentes pintoras, como Adélaïde Labille-Guiard o Vigée Le Brun , simplemente ignoradas por el hecho de ser mujeres, a pesar de la cantidad y calidad de su trabajo. Del mismo modo, nuestro Museo del Prado presenta actualmente una magnífica cita sobre dos pintoras del Renacimiento, Lavinia Fontana y Sofonisba Anguissola , también injustamente olvidadas.

Es bien posible que todo este movimiento de recuperación en la Historia del Arte tenga su origen en una importante exposición, comisariada por Linda Nochlin y Ann Sutherland Harris en 1976, dedicada a reivindicar a las mujeres artistas entre el XVI y el XX. Aquella pionera Women Artist 1550-1950 no cuestionaba sin embargo el canon occidental. La Historia del Arte seguía siendo la del arte europeo y norteamericano hecho por hombres blancos. Se llamaba la atención simplemente sobre la exclusión deliberada de las mujeres de este relato. Pero es evidente que este canon masculino, heterosexual, occidental y de raza blanca tenía que ser cuestionado.

Maura Reilly dedica este libro a pensar cómo es posible cuestionarlo no solo desde la Historia del Arte o las prácticas artísticas, sino también y especialmente desde la práctica curatorial, a través de la organización de exposiciones comprometidas. Su libro es una excelente historia de las principales muestras críticas con el paradigma del gran hombre blanco. Desde Les magiciens de la terre , a la Bienal del Whitney, una contrahistoria del arte contemporáneo. Por Miguel Cereceda.

Activismo en el mundo del arte . Maura Reilly. Trad: José Brownrigg-Gleeson Martínez. Alianza, 2019. 328 páginas. 22 euros.