El Reina Sofía comienza su 'revolución'
El museo presenta el primero de los seis 'episodios' en que ha dividido la reordenación de su colección, que incluirá un 70% de obras inéditas y que concluirá en noviembre
El Museo Reina Sofía reordena su colección permanente cuando acaban de cumplirse los treinta años del nacimiento del museo. En estas tres décadas ha habido varias reordenaciones parciales. Después de la reordenación de 2010, ahora la propuesta supone una relectura integral, que afecta a la colección al completo, incluyendo el arte más reciente desde los ochenta hasta hoy. Fruto de muchos años de investigación, de la incorporación de cientos de obras a través de donaciones, depósitos y compras, este año termina un proceso que culminará con la apertura al público de la nueva colección en su totalidad el próximo mes de noviembre: un conjunto formado por alrededor de 2.000 obras , agrupadas en seis espacios diferentes (4ª y 2ª planta del edificio Sabatini, las salas A1 y A0, esta última aún en reconstrucción, y Nouvel 1 y Nouvel 0), que suman en total más de 12.000 metros cuadrados que van a ser los que acojan esta nueva narración.
La presentación al público va a realizarse de una manera también novedosa y a modo de serie, dando a conocer uno a uno los seis episodios que integran el recorrido completo. De manera sucesiva se pondrá el foco en distintos puntos fuertes del recorrido por la colección para ir descubriéndolos de manera detallada. Esta ambiciosa presentación va a ofrecer al visitante la posibilidad de descubrir muchas obras no mostradas antes en el museo , en concreto un 70% aproximadamente , gran parte de ellas adquisiciones recientes, a través de donaciones y depósitos .
La arquitectura entra en el discurso expositivo , de manera transversal, en una presentación que no va a seguir un orden cronológico, sino bajo epígrafes temáticos. Se prestará atención especial al arte de nuestro tiempo, de los ochenta hasta hoy, que aún no se ha mostrado, teniendo cabida todos los soportes: instalaciones, pintura, escultura, fotografía, cine, piezas sonoras, libros o documentos, obedeciendo a narraciones diferentes que se entrecruzan sin obedecer a un planteamiento lineal.
En este primer episodio, ubicado en la cuarta planta del edificio Sabatini , se ha querido poner el foco en distintos puntos fuertes, bajo la denominación conjunta 'Nos ven: de la modernidad al desarrollismo'.
El 'American Way of Life'
Esta primera presentación de la colección comienza con una novedosa interpretación del contexto del arte y la cultura estadunidenses tras la Segunda Guerra Mundial, cuando el país se consolida como primera potencia mundial y propaga su hegemonía cultural, encarnado en el modo de vida americano (American Way of Life). El paradigma de esta visión la personificaría el matrimonio Eames: Charles y Ray Eames , una pareja de arquitectos y diseñadores que moldeó en los años 40 y 50 el nuevo estilo de la moderna sociedad estadounidense.
Durante esa época EE.UU apoya de manera decidida la cultura a través de la organización de todo tipo de exposiciones internacionales que aprovecha para hacer propaganda ideológica durante la Guerra Fría. Los años 50 también son el momento de la explosión del expresionismo abstracto , el primer movimiento vanguardista americano de proyección internacional. Se exponen ejemplos destacables como 'Negro más blanco' (1960) de Adolph Gottlieb, 'Figura totémica' (1958) de Robert Motherwell o 'Crown' (1958) de Morris Louis.
El contrapunto europeo
En Europa las experiencias artísticas derivan de las últimas corrientes del surrealismo y su crítica del modo de vida capitalista. Dentro de este contexto se expone 'El Anticoncepto' (1951), de Gil J Wolman , una obra a caballo entre el cine y la instalación, donde se pone el acento en la palabra, en la poesía y en lo sonoro. En otra sala se expone 'Opera', obra creada en los años 1952-1953 por Öyvind Fahlström , que refleja el interés en Europa por la creación de nuevos lenguajes aunando elementos tomados de la poesía visual, y en sintonía con la herencia surrealista.
Un espacio al completo está dedicado a la instalación 'Man, Machine and Motion' (Hombre, máquina y movimiento) de Richard Hamilton , creada en 1955 y reconstruida en 2012, que ha sido donada por la viuda del artista al museo. Uno de los ejes fundamentales de la colección que ahora se presenta es el énfasis en la historiografía de las exposiciones, que nos permite entender cómo se veían los artistas en su contexto histórico. En Alba, un pequeño pueblo italiano cercano a Turín, creadores y pensadores como Giuseppe Pinot-Gallizio, Constant o Asger Jorn participaron en un congreso mundial de artistas libres en 1956 donde se exploraban nuevas formas creativas alejadas de los dictados de la sociedad de consumo. En esta sala se pueden apreciar claras referencias al 'Guernica', como en la serie '8 x La Guerre' (1951) de Constant.
Latinoamérica
El recorrido prosigue mostrando el arte de una Latinoamérica que, durante los años 40 y 50, vive un momento de desarrollismo y boom económico alejado de las tensiones de la Guerra Fría. El arte abstracto se asumió en ciudades como Montevideo, Buenos Aires, São Paulo, Río de Janeiro y Caracas como símbolo de modernidad. Así, el arte de Joaquín Torres García, Hélio Oiticica y Lygia Clark se afirmaban como un giro colectivo y utópico en un intento de cambiar el mundo a través de la forma. En Latinoamérica Mondrian es tomado como modelo, aunque una visión lúdica y abierta de este. Aquí se exponen ejemplos como los 'Bichos' de Lygia Clark, que son esculturas abstractas móviles, donde los elementos de juego y búsqueda de variantes por parte del espectador son primordiales.
Se reivindica también el papel del libro dentro de la creación plástica, que desborda los límites del cuadro, como en 'El libro de la creación' (1959) de Lygia Pape . Algunas de las piezas de esta sección han sido donadas o depositadas por miembros de la Fundación Museo Reina Sofía, como Patricia Phelps de Cisneros o Susana y Ricardo Steinbruch , entre otros.
La arquitectura juega un papel fundamental en esta visión utópica de las formas. Los elementos del movimiento moderno que hemos visto en la arquitectura de los Eames toman aquí un cariz de transformación social, colectivo y no solo individual. Es el momento de la creación de Brasilia, que comenzó su construcción en 1956 en un intento de igualitarismo social. En este espacio se expone también una maqueta de 'Las Torres de Ciudad Satélite' de Mathias Goeritz.
Feminismos
Los siguientes espacios del recorrido se centran en ofrecer nuevas visiones para entender el arte desde un prisma diferente al American way of life y los dictados del expresionismo abstracto. Así, encontramos ejemplos de la reivindicación del arte figurativo con artistas como Leon Golub, Francis Bacon, Graham Sutherland o Jean Dubuffet , más centrados en la crítica de la sociedad de masas.
Frente al carácter fuertemente masculino vinculado al expresionismo abstracto y la hegemonía del varón, aparecen ejemplos de arte realizado por mujeres que exploran otras temáticas y modos de hacer. Louise Bourgeois y Dorothea Tanning son algunas de estas artistas que, si bien no se autoproclamaban como feministas, ejemplifican algunas de las inquietudes ligadas al movimiento y a su preocupación por el rol de las mujeres en la sociedad. Se expone la imponente 'Araña' de Bourgeois , realizada en 1994 que se relaciona con la idea de la casa y del espacio interior, habitado por la mujer, pero de un modo completamente distinto al paradigma americano de la mujer. De Dorothea Tanning se muestran diferentes piezas incorporadas a la colección tras la muestra que el museo le dedica en 2018. Destaca la escultura 'Abrazo' (1969).
El espacio dedicado a 'la crisis de la masculinidad' es una demostración de que el debate, tan candente hoy, estaba ya presente en los años 50, y era el necesario reverso de la hegemonía del discurso del hombre blanco heterosexual. Aquí se muestran tres piezas extraordinarias de Marcel Duchamp , junto a obras de artistas como Cy Twombly y Robert Rauschenberg . Su trabajo del momento encajaba difícilmente en la estética americana.
Guerra Fría
A partir de los años 50 España va abandonando la autarquía de la posguerra para involucrarse en el contexto internacional. EE.UU tiene un interés claro en España por su situación geopolítica y por su posicionamiento frene al comunismo, lo que propicia el acercamiento de Eisenhower con Franco . Esta relación va acompañada de la promoción del arte y la cultura americanos a través del gobierno estadounidense, que fomenta exposiciones de figuras del expresionismo abstracto en Europa. En este espacio se pueden apreciar las imágenes del Pabellón USA de la Feria de Barcelona de 1956 y la Feria del Campo de Madrid de 1959.
Además de con EEUU, durante ese momento se intentan acercamientos a Hispanoamérica, propiciando eventos como la III Bienal Hispanoamericana de Arte, celebrada en Barcelona en 1955. Esta exposición, que permitió ver la obra más reciente de los artistas españoles e iberoamericanos y también el arte más nuevo que se estaba haciendo en los Estados Unidos, significó el triunfo en España de las tendencias abstractas y su reconocimiento oficial por parte del régimen, que empezó a promover el arte de vanguardia del país. En esta sala hay obras de Mark Rothko, Tàpies, Fernando Zóbel, Eusebio Sempere y Martín Chirino , entre otros. Además, se muestra a la obra 'Resurrección' (1955) de Oswaldo Guayasamín .
Un espacio único recrea en parte la importante exposición 'New Spanish Painting and Sculpture' del MoMA de Nueva York en 1960, que supuso una legitimización internacional de artistas hoy considerados clave dentro del arte español. Después de negociaciones realizadas al más alto nivel entre los dos países, la muestra comisariada por Frank O'Hara y que estuvo centrada en los grupos El Paso y Dau al Se t, reiteraba los puntos comunes del discurso sobre el arte español: la importancia de la tradición pictórica barroca, el gesto espontaneo, el color negro, la presencia de Goya; y desvinculaban las obras de cualquier relación con el contexto social o político del país.
Los artistas más destacados fueron Antonio Saura, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Eduardo Chillida, Jorge Oteiza, Luis Feito, Rafael Canogar y Juana Francés.
Colonialismo
La colección pasa a centrarse en los años 60, caracterizados por el desarrollismo y por la campaña propagandística lanzada por el régimen de Franco para conmemorar los XXV Años de Paz desde el final de la Guerra Civil. Las exposiciones, festivales, concursos, publicaciones y estrenos cinematográficos que se organizaron pretendían dar una imagen moderna del país. Sin embargo, frente a este imagen de progreso y concordia que trató de proyectar la dictadura, esta parte del recorrido comienza con la instalación del artista Rogelio López Cuenca . 'Y coloniales…' (2021), que contrapone de forma crítica ese ideal con la realidad de un colonialismo aún existente por entonces en la Guinea Española utilizando con ironía diverso material de la época, que va desde un bote antiguo de Cola-Cao o una fotografía del orangután Copito de Nieve hasta historietas clásicas de El Guerrero del Antifaz, El Capitán Trueno , o noticiarios del NODO. La instalación de López Cuenca se inscribe dentro de la revisión que trata de realizar la colección respecto a la relación del arte con el colonialismo.
Exilio
Otro espacio está dedicado a Max Aub , uno de los últimos exiliados de la Guerra Civil, quien no regresó a España desde México hasta 1969, en una visita de la que dejó testimonio de su desencanto en su diario 'La Gallina Ciega' (1971). La sala reúne bocetos, ilustraciones, manuscritos de Aub y material documental relacionado con el artista ficticio que creó –Jusep Torres Campalans- para confusión de los críticos de arte coetáneos. También se exhiben en este apartado otras obras de exiliados como la serie 'Made in Spain' (1966) de Roser Bru; carteles diseñados por Picasso o el vídeo 'Dibujos de actualidad 3' de Josep Renau .
Entre las importantes novedades que presenta ahora la Colección destaca la proyección de la película de José Val del Omar 'Acariño galaico' (De barro), que rodó en Galicia. El filme refleja un homenaje nostálgico a la República española y, a la vez, un cierto descreimiento religioso. En el espacio en que se proyecta aparece acompañada por 'Trasmundo' (1946), obra emblemática de Laxeiro , entre otras.
'Spain is different'
El itinerario se adentra también en los primeros sesenta en que comienza el Plan de Estabilización Económica en España con la aprobación de diferentes planes de desarrollo, en los que el turismo tenía un papel fundamental. La campaña promovida por Fraga desde el Ministerio de Turismo 'Spain is different' , enfocada al turismo exterior, fue uno de los hitos de la época. El papel de la fotografía fue desde entonces fundamental para contribuir a un cierto tipo de propaganda que demostraba la riqueza y variedad del país, poniendo el acento en lo eterno y exótico.
Además, de la mano de un grupo de fotógrafos renovadores pertenecientes en parte al grupo AFAL , la fotografía servirá también como medio de documentación de las contradicciones de esa sociedad dual: por un lado, abierta y por otro cerrada, como se puede ver en la ironía hacia la prosperidad del turismo de las imágenes de Xavier Misserachs en 'Costa Brava show' (1966). Se muestra un nutrido grupo de fotografías procedentes de la donación realizada por la familia Autric-Tamayo al museo. Junto a carteles con el famoso eslogan, se recogen escenas de la España de la época como las estampas retratadas por otros trabajos de los también fotógrafos Ramón Masats, Gonzalo Juanes, Francisco Ontañón y Oriol Maspons .
La arquitectura, que sigue apareciendo en el recorrido de manera transversal, se da cita aquí para descubrir los proyectos realizados a la luz del boom turístico por Fernando Higueras en hoteles y urbanizaciones de Lanzarote; José Antonio Coderch en la Costa Brava; Antonio Lamela Martínez, en Valdepeñas...
Nuevos lenguajes
Sin salir del escenario temporal de los 25 Años de Paz, se muestra también la pintura política de Eduardo Arroyo que formó parte de la exposición realizada en París y titulada de forma irónica con el mismo lema que promovía la propaganda franquista. Mediante una figuración vinculada al arte pop con elementos expresionistas, en 'Los cuatro dictadores' reúne en imágenes a Franco, Salazar, Hitler y Mussolini.
A finales de la década de los 60 y también durante la siguiente, el feminismo comenzó a calar en la práctica de muchas artistas. En España, y pese a la dictadura, estos discursos reivindicativos tuvieron interesantes propuestas bajo el paraguas de un arte pop de acento local y discurso antifranquista. Dentro del significativo incremento de mujeres artistas que va a mostrar la colección, que ha incorporado un importante conjunto de obras en esta materia en los últimos años, la sala 'Mujeres, Arte y Tardofranquismo' reúne así trabajos de Eulàlia Graua, Mari Chordà, Ángela García CodoñerI e Isabel Oliver.
La parte de la Colección que se presenta ahora c oncluye con Luis Gordillo , quien inició su trayectoria con un nuevo lenguaje pictórico que supuso un referente para toda una generación de artistas que comenzaban sus búsquedas alejados de las propuestas informalistas y conceptuales en boga. Su obra abrió una nueva vía en el contexto plástico español, a través de elementos como el tratamiento de la figuración en diálogo con la abstracción y el pop, el uso de la publicidad y el cómic y la experimentación con fotografías y la multiplicación de imágenes en series como 'Serie Blanda A' (1976) o 'La sirenita' (1975-2000).
