Moisés P. Sánchez: «Procuro no delimitar fronteras»

Fiel a la filosofía que lo caracteriza desde la pasada edición, el Festival Internacional de Arte Sacro que organiza la Comunidad de Madrid amplía su tradicional oferta de música religiosa con propuestas de carácter más variado y experimental, protagonizadas en su mayoría por intérpretes españoles. Una de las citas más llamativas en este sentido es la revisión en clave de jazz de la «Consagración de la primavera», de Stravinsky, que el pianista Moisés P. Sánchez (Madrid, 1979) y su grupo acometerán en los Teatros del Canal.

¿Cómo surge la idea de adaptar al jazz nada menos que la «Consagración de la primavera»?

Ha sido una propuesta de Pepe Mompeán, el director del Festival. La idea era acercarse a la «Consagración» desde otro punto de vista: desde una perspectiva más de «ensemble», que incluyese solos y tuviese otro tipo de sonoridad pero siempre respetando la obra, porque la obra la tocamos entera.

¿Qué formación utiliza?

Un conjunto de doce músicos: trompeta, flauta, voz, saxo alto, saxo barítono, trombón, saxo tenor, teclados, piano, contrabajo, percusión y electrónica.

Llama la atención la presencia de la voz.

Me parecía interesante incorporar una voz porque en la «Consagración» Stravinsky hace uso de melodías populares rusas. Es una obra con mucha politonalidad y meter una voz es atrevido, pero creo que ensambla bien.

La melodía inicial del fagot, ¿quién la toca?

Esta melodía aparece tres veces a lo largo de la introducción. La del principio la toco yo al piano, que para eso soy el arreglista (ríe). La segunda vez la entona la voz y la tercera la toca el saxo alto para enlazar con el segundo movimiento.

¿En qué ejemplos se inspira su grupo?

El noneto de Miles Davis en «Birth of the Cool» ha sido una fuente de inspiración. También buscaba un tipo de sonoridad de los setenta, como Weather Report, y que sonara europea. Pienso en Marius Nordal y John Hollenbeck, anclados en la tradición de la música contemporánea europea pero que hacen jazz. De hecho, no «swingueamos» la «Consagración» cuando la tocamos. Nuestro acercamiento es respetuoso con las dinámicas y los fraseos de Stravinsky, y buscamos que los solos entronquen con la partitura.

¿Qué representa para usted la «Consagración»?

La escucho desde pequeño: es una obra cumbre, espectacular. Ha sido increíble sumergirme en su estudio, ver cómo Stravinsky utiliza los instrumentos, cómo los lleva al extremo en sus registros y posibilidades.

Sus proyectos se caracterizan por una extrema diversidad.

La diversidad es algo que me estimula. Necesito que cada disco tenga su propio mundo, cuente su propia historia, que no se parezca al anterior. Procuro no hacer tan delimitadas las fronteras. Toco muchos estilos (el rock sinfónico de los setenta, la clásica, la contemporánea) y los incorporo a mi manera de entender el jazz. Quiero transmitir el concepto de que todo es música, que todo puede convivir.

¿Y si tuviera que destacar un común denominador?

Diría que la aspiración sinfónica en la composición. Los temas que compongo tienen un anhelo de desarrollo sinfónico, de grandes estructuras en varias partes: motivos conductores que se desarrollan, se retoman y aparecen modificados. Me gusta que mis discos tengan una coherencia interna, que los temas no sean una mera excusa para improvisar.

¿Cuáles son sus referentes?

En este aspecto, el mayor referente para mí es el Pat Metheny Group, un grupo que transmite esta idea de desarrollo de las melodías y las texturas.

¿Y sus modelos en el piano?

Bill Evans, Keith Jarrett y Brad Mehldau son el pilar básico de mis influencias. Entre los más recientes, Tigran Hamasyan, Aaron Parks y Craig Taborn.

¿Qué más proyectos tiene en la mochila?

El mes que viene sale mi nuevo disco con grupo, «Metamorfosis». Y luego estoy componiendo junto a Pablo Martín Caminero una obra para el Ballet Nacional de España.